top of page

STEINERLIGHTS

1. CLOUD (Caitlind r.c. Brown & Wayne Garrett CA)

CLOUD is een interactief kunstwerk dat het potentieel van alledaagse objecten opnieuw in beeld brengt om een verbluffende, collaboratieve ervaring te creëren. Bezoekers hebben een interactie met de Cloud door de lichtval, ze fungeren dan als ware het als artiesten en poppenspelers. De uiterlijke verschijning van het werk is licht en delicaat, maar als je onder het bladerdak van gloeilampen beweegt, onthult het een wolk van hand gebogen staal, gebruikte lampen en elektronica. Vervolgens vormen
de binnenste en buitenste lagen van het kunstwerk verschillende dynamieken, die uitnodigen tot zowel participatie ,beschouwing ,spektakel , speculatie, collectief, subjectief, harmonie en chaos.
Cloud is eenvoudig, helder en speels en een barometer van sociale interactie tussen vreemden. In elk land dat ze bezoekt, communiceren kijkers anders met de Cloud, waardoor subtiele opmerkingen worden gemaakt over het omringende culturele klimaat. Op symbolisch niveau vertrouwt CLOUD echter op de universele taal van wat men ziet ondanks taalbarrières, afstand en verschillen worden regenwolken overal door mensen begrepen.

Caitlind r.c. Brown en Wayne Garrett zijn Canadese kunstenaars die zich richten op het verkennen van de ruimte tussen licht en donker natuur en cultuur, het individu en de gemeenschap. Caitlind en Wayne nodigen met hun projecten en nieuwe materialen vreemden uit om te delen in ervaringsmomenten. Soms geeft dit aanleiding tot onwetende samenwerkingen. Het duo focust zich op kunst in de openbare ruimte en gebruikt objecten die vaak in massa zijn geproduceerd dit als een verwijzing naar steden als een  onmetelijke massa materialen, mensen en situaties. Door relaties op te bouwen tussen het alledaagse en het magische, hopen de kunstenaars een hernieuwd begrip van het dagelijkse leven op teroepen door een kritische verschuiving in perspectief.

2022-cloud-at-chroniques-aix-en-provence-france-photo-by-caitlind-brown-2.webp
Afbeelding van WhatsApp op 2023-10-30 om 14.02.27_fdffcc17.jpg

2. Twisting Tunnel (Studio Sensito NED)

De tunnel is ontwikkeld door Studio Sensito, waarbij bezoekers een unieke ervaring beleven tijdens hun reis erdoorheen. Telkens wanneer je onder de tunnel doorgaat, ondergaat het beeld een complete transformatie, waardoor de tunnel steeds een andere vorm aanneemt. Dit moedigt bezoekers aan om de uitdaging aan te gaan en de volledige reis door de tunnel te voltooien. Met het aantal tunnels en de afgelegde afstand lijkt er geen einde te komen aan de reis. Pas wanneer je je aan het einde omdraait, openbaart zich een totaal ander beeld. Zo blijft de tunnel intrigeren en nodigt hij bezoekers uit om de verrassende ontdekkingen en veranderingen te ervaren gedurende hun hele reis.

Studio Sensito

Het internationale kunstenaarscollectief, dat zich voornamelijk richt op verfijnde verlichtingstechnieken, weet in steeds veranderende samenstellingen telkens opnieuw te verrassen. De naam Studio Sensito vindt zijn oorsprong in de sensitometrie, de studie van de relatie tussen de belichting van een film en de zwarting die optreedt na ontwikkeling. In de werken van Studio Sensito spelen lichtgevoelige objecten de hoofdrol, waarbij de kijker letterlijk wordt opgenomen in het kunstwerk.

De creaties van dit kunstenaarscollectief zijn te bewonderen in verschillende landen en maken deel uit van de Europese Tour Light Castle-festivals. De veelzijdigheid en innovatieve aanpak van Studio Sensito maken hun bijdrage aan de kunstwereld zowel uniek als internationaal gewaardeerd.

3. They Were here (Alexander Reichstein FIN)

THEY WERE HERE brengt mensen uit andere tijden en plaatsen tot  leven. Ik denk dat mensen nooit echt spoorloos verdwijnen: ze blijven daar zolang we ze onthouden en ons ze voorstellen. Mensen uit het verleden dwalen door het park, ontmoeten elkaar op straat en genieten van frisse lucht op het balkon. Ik heb lichtgevende, bijna
immateriële figuren uit verschillende tijden gemaakt, die worden tentoongesteld in een historisch belangrijke omgeving en bedoeld zijn om te worden ontvangen door de inwoners van vandaag. Bij UV-licht komen figuren gebogen van draad en bespoten met fluorescerende verf als geesten tot leven. Deze doorschijnende personages gaan op in hun achtergrond en de omgeving van de oude wijken wordt onderdeel van het werk. De gestileerde figuren doen denken aan lijntekeningen,
maar zijn driedimensionaal.

Alexander Reichstein
Alexander Reichstein is geboren in 1957 in Moskou, Rusland. Van 1976 tot 1982 studeerde hij print media design en illustratie bij moscou Polygraph Institute. Van 1982 tot 1985 werkte hij als art director in de
''Iskusstvo'' kunst uitgeverij in Moskou. Sinds 1982 heeft hij voor verschillende Uitgevers, het ontwerpen en illustreren van boeken voor
Volwassenen en kinderen. Alexander werkt in Helsinki, Finland. Sinds 1990 kunst voor kinderen en volwassenen: schilderen, fotografie en beeldhouwen, workshops leiden, happenings en kunstcursussen organiseren, tentoonstellingen en installaties opzetten (in  verschillende instellingen - van kleuterscholen tot bibliotheken en kunstmusea) en kinderboeken illustreren voor Zwitserse, Oostenrijkse, Duitse, Amerikaanse en Finse uitgevers. Van 1992 tot 1994 en van 2006 tot 2008 doceerde hij aan de University of Art and Design  Helsinki. De meeste projecten van Alexander zijn tentoonstellingen waar bezoekers zowel mentaal als fysiek actief zijn en ongewone artistieke indrukken ervaren met al hun zintuigen. Zijn kunstwerken zijn tentoongesteld in Finland, Zweden, Duitsland, Rusland, IJsland, Italië, Frankrijk, Groot-Brittannië, Israël, Polen, Litouwen, Letland en Japan en nu tentoongesteld in kasteel Doornenburg. Het is te zien in verschillende collecties in Finland, Rusland, Duitsland, Oostenrijk, Zwitserland, Zweden, Noorwegen, Israël, VS.

C0005T01.jpg

5. Lightlines (Studio Sensito)

"Lightlines" is een creatie van Studio Sensito. Deze installatie bestaat uit draden die tussen verschillende bomen zijn gespannen, waardoor een intrigerend schouwspel ontstaat. Wanneer deze draden worden verlicht door UV-licht, transformeren ze de omgeving en vormen ze een betoverend deel van het park. De kunstenaars willen de bezoekers uitnodigen om de installatie van dichtbij te ervaren en na te denken over wat ze waarnemen. Bij benadering zullen de architecturale kenmerken van het park door de nabijheid van het kunstwerk veranderen. Het onthult ook de ware materialen die de kunstenaars hebben gebruikt voor dit project, waardoor bezoekers een dieper begrip krijgen van de artistieke creatie. De installatie fungeert als een visuele en sensorische ervaring die de beleving van het park op een unieke wijze herdefinieert.

Studio Sensito

Het internationale kunstenaarscollectief, dat zich voornamelijk richt op verfijnde verlichtingstechnieken, weet in steeds veranderende samenstellingen telkens opnieuw te verrassen. De naam Studio Sensito vindt zijn oorsprong in de sensitometrie, de studie van de relatie tussen de belichting van een film en de zwarting die optreedt na ontwikkeling. In de werken van Studio Sensito spelen lichtgevoelige objecten de hoofdrol, waarbij de kijker letterlijk wordt opgenomen in het kunstwerk. De creaties van dit kunstenaarscollectief zijn te bewonderen in verschillende landen en maken deel uit van de Europese Tour Light Castle-festivals. De veelzijdigheid en innovatieve aanpak van Studio Sensito maken hun bijdrage aan de kunstwereld zowel uniek als internationaal gewaardeerd.

Afbeelding10.jpg
DYCK 2022 (22).jpg

6. Surfinia Mystical Merlin (Studio Sensito NED)

Surfinia is de Latijnse naam voor de hangende Petunias. De hangende Petunia was de inspiratie voor de ontwikkeling van dit kunstwerk.
De natuurlijke vormen zijn overgenomen en lijken deel uit te maken van de bomen die speciaal op deze manier worden verlicht. Meestal kunnen bezoekers 's avonds de prachtige tuinen niet bezoeken en deze verlichte bomen bewonderen, alleen op de avonden van het lichtfestival kun je deze bijzondere bloemen ontdekken.

Studio Sensito

Het internationale kunstenaarscollectief, dat zich voornamelijk richt op verfijnde verlichtingstechnieken, weet in steeds veranderende samenstellingen telkens opnieuw te verrassen. De naam Studio Sensito vindt zijn oorsprong in de sensitometrie, de studie van de relatie tussen de belichting van een film en de zwarting die optreedt na ontwikkeling. In de werken van Studio Sensito spelen lichtgevoelige objecten de hoofdrol, waarbij de kijker letterlijk wordt opgenomen in het kunstwerk.

De creaties van dit kunstenaarscollectief zijn te bewonderen in verschillende landen en maken deel uit van de Europese Tour Light Castle-festivals. De veelzijdigheid en innovatieve aanpak van Studio Sensito maken hun bijdrage aan de kunstwereld zowel uniek als internationaal gewaardeerd.

7. Angulus (Peter Snijder BEL)

Elke draad vormt een perfecte rechte lijn die elke 10 cm herhaald wordt. Wanneer al deze draden samenkomen, creëren ze een perfecte boog. Elke rechte lijn symboliseert de individuele mening van één persoon. Wanneer elke mening door anderen wordt overwogen en geëvalueerd, kan het resultaat de perfecte oplossing zijn. Dit komt doordat het rekening houdt met nuances en, vergelijkbaar met de bogen in de architectuur, een krachtig fundament vormt voor een samenleving.

Peter Snijder

Peter Snijder (1974, Herentals - BEL) is een kunstenaar die licht brengt in de duisternis van de wereld. Hij omarmt de duisternis om het licht te begrijpen, zijn leren laarzen beladen met symboliek, dragen hem door de lelijkheid van het dagelijks leven, geboeid aan een bittere samenleving. Gewapend met een vleugje zwarte humor, een kritische blik en een snufje melancholie, strijdt hij tegen de alledaagse realiteit en transformeert hij de wereld tot een universum op zichzelf. Geïnspireerd door de vereenvoudigde gotische architectuur, liturgie en erfgoed, dienen zijn bakens als wegwijzers die je naar een voorstelling leiden. Ze bieden een perspectief vol mystieke schoonheid, met ruimte voor hartstochtelijke naïviteit; een rustpunt waar je kunt dromen terwijl je uitkijkt over de woestenij, waar je tot inzicht kunt komen en perspectieven kunt omarmen.

De installaties stralen in zacht blauw of groen licht, afgewerkt met rode details op een zwarte ondergrond. Het gedetailleerde en delicate vingerwerk geeft de sculpturen een zachte persoonlijkheid, maar dat is slechts een eerste indruk. Het lijkt een illusie, maar bij dieper graven onthult het werk zijn lagen. Het is verbijsterend en plotseling beangstigend, gevuld met spijt, stilte, romantiek - een oude ziel die twijfel, angst en woede omarmt. Maar altijd met een gemeenschappelijk doel: een voltooid kunstwerk is nooit zomaar een object, het moet de ziel laten zuchten.

_MG_8518.JPG
250891790_4455142811266805_2836371895944999313_n.jpg

8. Pad van de liefde en respect (Studio Sensito NED)

Het jaar 2020 en 2021 worden onvergetelijke jaren voor iedereen. Het zal de geschiedenis ingaan als de jaren van de Covid-19-pandemie. In deze pandemie hebben veel mensen een dierbare verloren. Anderen zijn erg ziek geweest en sommige mensen zijn blijvend getroffen. Voor velen heeft dit een grote verandering teweeggebracht in het 'normale' leven. Het is ook een moment waarop de mensheid even stilstaat bij waar het leven werkelijk om draait; Liefde, veiligheid, verbroedering, waardering voor de ander. Het hart is een symbool van liefde, verbondenheid en respect.


Het was de afgelopen jaren ook het symbool van respect voor de mensen die werkzaam waren in de gezondheidszorg. Dit hart is dus een symbool van reflectie. We hopen dat we met deze wandeling met harten de bezoekers een warm hart kunnen geven en dat we met ieder weer een positieve toekomst tegemoet kunnen zien. Niet voor niets staat het hart voor liefde, respect, hoop en verbroedering.

Studio Sensito

Dit internationale kunstenaarscollectief houdt zich vooral bezig met uitgekiende lichttechnieken en reflecties. In een steeds wisselende samenstelling weten ze keer op keer te verrassen. De naam Studio Sensito vindt zijn oorsprong in sensitometrie. Sensitometrie is de studie van de relatie tussen blootstelling aan de film en de hoeveelheid zwartheid die na verwerking wordt geproduceerd. Lichtgevoelige objecten spelen de hoofdrol. Als kijker ben je letterlijk betrokken bij het kunstwerk. Kunstwerken van dit kunstenaarscollectief zijn in verschillende landen te zien, ze maken deel uit van de European Tour Light Castle Festivals.

9. Hybrid Roots (by Edwyn Glint USA)

Hybrid Roots is het nieuwste kunstwerk van de Amerikaanse kunstenaar Edwyn Glint. De wortels van de bomen bevinden zich grotendeels ondergronds en vormen een uniek netwerk, de levensader van de boom waar al het voedsel en water door stromen. Deze wortels dienden als inspiratie voor kunstenaar Edwyn Glint om dit werk te creëren.

De wortelstructuur in Hybrid Roots is omgekeerd: in plaats van naar beneden te groeien, zijn de wortels verticaal gespiegeld. Het gebruik van licht onthult de verborgen wereld onder de grond.

Edwyn Glint is altijd gefascineerd geweest door de prachtige herfstkleuren, flora en fauna rondom zijn ouderlijk huis in Hammondsport, Steuben County, NY. Zijn vaders werk als ingenieur in de lokale lampenfabriek droeg bij aan Edwyns interesse in lichtkunst, die is gegroeid en ontwikkeld.

In zijn kunstwerken streeft Edwyn ernaar om de schoonheid van de natuur en haar vormen te combineren met de steeds groter wordende kunstmatige habitat waaraan we vandaag de dag gewend zijn geraakt. De dualiteit en symbiose van deze twee tegenpolen illustreren de voortdurende verandering in de omgeving en hoe wij als mens daarin evolueren.

thumbnail_PHOTO-2023-09-16-00-46-51.jpg
QFB_Essen_.jpeg

10. Quantum Flowers (by Francesco Mariotti ZWI)

Quantum Flowers bestaan uit drijvers die op het water in Grüne Mitte drijven. Kunstenaar Mariotti heeft gekleurde plastic flessen gerecycled en geïntegreerd in dit kunstwerk. Aan elke drijver zijn flessen bevestigd, elk voorzien van een LED-lamp en een zonnecel. Gedurende de dag slaan de lichtgevoelige cellen energie op, zodat wanneer het donker wordt, de LED's oplichten met behulp van de opgeslagen energie. Op dat moment verlichten de PET-flessen, waardoor de illusie ontstaat dat groepen kleurrijke bloemen bloeien in de nachtelijke Grüne Mitte. Deze kunstbloemen vormen samen met de bestaande begroeiing een hybride tuin. Mariotti heeft zijn kunstwerk gecreëerd met gerecyclede materialen en energiezuinige verlichting, waardoor hij in staat is lichtkunst te presenteren in een groene omgeving met minimale impact op het milieu. De autonome eilanden met zonne-energie, tuingrids, PET-flessen, LED-lampen en zonnepanelen dragen bij aan een duurzaam kunstwerk dat harmonieert met de natuurlijke omgeving.

Francesco Mariotti

Francesco Mariotti (1943) gebruikt al sinds 1968 licht in zijn kunstwerken. In de afgelopen jaren heeft hij met succes een aanzienlijk aantal buitenprojecten voltooid, waarin zijn werk altijd een symbiose vormt met het natuurlijke landschap.

11. Spinning Wheel (Jesper Bogaard DEN)

Dit project is tot stand gekomen in samenwerking met het Tinderbox Festival in Odense. Het betreft een groot spinnewiel met een diameter van 6 meter dat zo is opgehangen dat er boven de bezoekers een indrukwekkend scherm ontstaat, dat bijna hypnotiserend is wanneer je eronder staat. Opmerkelijk is dat dit de eerste samenwerking is tussen Jesper Waaben Bogaard en zijn zoon Asbjørn, waarbij Asbjørn verantwoordelijk is voor de codering en visuele expressie.

Jesper Bogaard

Jesper Waaben Bogaard, geboren in 1978 in Odense, Denemarken, studeerde aan de Faculty of Arts and Crafts en heeft als tiener op filmsets in Londen gewerkt. Als zoon van een ingenieur heeft Jesper sinds zijn kindertijd een passie voor bouwen. Sinds 2002 is hij actief in kunst en design, waarbij hij sculpturale lampen maakt van bomen.

Voor Jesper is het temmen van rauwe, chaotische creativiteit een speeltuin waar licht en beweging integrale onderdelen van het proces zijn. Zijn artistieke techniek is gebaseerd op fundamenteel onderzoek op het grensvlak van materiaal en filosofie. Licht, sculptuur en beweging vormen de kern van Jespers werk. Hoewel een installatie statisch kan zijn, is het proces altijd dynamisch. Zijn indrukwekkende kunst wordt gekenmerkt door speelse gedachte-experimenten die worden gedestilleerd tot concrete visuele resultaten.

_DSC8671.jpg
KasteeltuinenArcen_EnchantedGardens_2023_LoesGeelen-13-scaled.webp

12. Lichtshow (by Dynamic NED)

Dit jaar staat het bos centraal in een indrukwekkend lichtspektakel. Gelegen in het hart van het prachtige landschapspark van het Steinerbos, krijgt het bos terecht de hoofdrol tijdens het lichtfestival.

Wij nodigen u uit om de schoonheid van het bos te ontdekken, omringd door zijn prachtige natuur. Na een wandeling kunnen bezoekers genieten van een moment van rust en ontspanning.

Dynamic

Het team van Dynamic, gespecialiseerd in beeld, licht en geluid en gevestigd in Venlo, maakt integraal deel uit van het Lumen in Art-team en reist mee met de internationale tournee: Europa Tour Lichtkastelen Festivals. Dit jaar heeft Dynamic de verantwoordelijkheid voor het ontwerp en de productie van de lichtshow in het bos van belevenispark Steinerbos.

13. The Giant Dandelions (by Olivia d'Aboville FRA)

De gigantische paardebloemen komen samen en creëren een woud van bloemen in verschillende groottes, waardoor het publiek een wandeling kan maken door dit betoverende bos. In totaal zijn er 9.000 van deze bloemen gemaakt, allemaal vervaardigd uit gerecyclede waterflessen. Deze flessen zijn zorgvuldig uitgesneden en vervolgens opnieuw samengevoegd met nylon, waardoor ze worden getransformeerd tot een kunstwerk. Elke bloem is voorzien van een duurzame lichtbron, en dankzij de creatieve recycling van materialen vormen deze bloemen een prachtig landschap van licht. Dit project benadrukt op indrukwekkende wijze dat er geen noodzaak is voor afval; in plaats daarvan kunnen materialen worden hergebruikt en getransformeerd tot opvallende kunstwerken, die zowel esthetisch als milieuvriendelijk zijn.

Olivia d'Aboville

Olivia d'Aboville is een jonge Frans-Filippijnse kunstenaar die in 2009 cum laude afstudeerde aan Duperré, een gerenommeerde textielontwerpschool in Parijs. Haar specialisatie lag in tapijt- en textielconstructies, waarbij ze de technieken aanpaste om haar eigen geweven vormen te creëren. Ze verkent beeldhouwkunst met behulp van textieltechnieken en is gefascineerd door gewone, in massa geproduceerde voorwerpen, variërend van plastic lepels tot waterflessen.

Olivia d'Aboville onderzoekt deze alledaagse objecten die onze samenleving en levensstijl beïnvloeden, en die onvermijdelijk ons milieu vernietigen en onze zeeën vervuilen. Ze manipuleert en recyclet materialen om nieuwe kunstwerken te creëren. Bij elk interessant element dat haar inspireert, stelt ze zichzelf de vraag: wat kan ik hiermee doen? Moet ik het knippen, buigen, verwarmen, uitrekken en een nieuwe vorm geven? Ze is bijzonder gevoelig voor licht en beweging en haalt eindeloze inspiratie uit het oceaanthema, met als doel het bewustzijn te vergroten over het belang van het behoud van de biodiversiteit van onze oceanen.

D'Aboville heeft haar werk tentoongesteld in musea, galeries, hotels en festivals in steden als Parijs, Lyon, Hong Kong, Manilla, New York en Singapore. Haar veelzijdige portfolio omvat textielsieraden, sculpturen, lichtontwerpen en installatiekunst.

80863551_616081765818418_4375560381624483840_n.jpg
_DSC8665.jpg

14. Compositie van vormen en geluid (by Wavelight NED)

Deze lichtinstallatie nodigt uit om je te laten inspireren door de harmonieuze samensmelting van abstracte vormen en objecten. Betreed een magische wereld waar muziek en lichtprojecties naadloos in elkaar overvloeien.

Ontworpen om je zintuigen te prikkelen en mee te nemen op een visuele en auditieve reis, creëert elke abstracte vorm een betekenisvolle interactie met de lichtprojecties en het bijbehorende geluid. Samen vormen ze een dynamische choreografie die de emoties van de kijker stimuleert en de verbeelding prikkelt.

De lichtprojecties spelen met kleur, intensiteit en beweging, waardoor een levendig schouwspel van licht en schaduw ontstaat. Ze benadrukken de contouren en kenmerken van de abstracte vormen, en creëren een samenspel van visuele elementen. Het geluid, naadloos geïntegreerd in de installatie, versterkt de hypnotiserende ervaring. Ritmische melodieën en harmonische tonen versmelten met de lichtprojecties, waardoor een synthetische ervaring ontstaat. De geluiden vullen de ruimte en resoneren met de emoties die de visuele pracht oproept, waardoor een onvergetelijke ervaring ontstaat.

Als nieuwsgierige beeldmakers omarmt Wavelight het onbekende, laat zich verrassen door toevalligheden en ontdekt iets nieuws. Voor Wavelight gaat kunst over meer dan alleen visuele esthetiek; ze streven naar een emotionele en zintuiglijke ervaring die het publiek uitnodigt om na te denken en te verdwalen in het moment. Door licht, geluid en beweging te combineren, nemen ze het publiek mee naar nieuwe werelden en moedigen ze aan om met andere ogen naar de omgeving te kijken.

Het creatieproces is een integraal onderdeel van het werk. Elk project wordt gezien als een avontuurlijke ontdekkingsreis. Beginnend met een conceptueel idee laten ze zich leiden door experimenten. Ze creëren tegelijkertijd de visuele en audio-elementen van het werk, waarbij muziek en beeld elkaar versterken. Dit vereist een zorgvuldige samenwerking tussen de twee kunstenaars om hun creatieve processen op elkaar af te stemmen. Het resultaat zijn unieke en organische kunstwerken die het karakter van de ruimte waarin ze worden getoond weerspiegelen.

15. Visual Piano (by Kurt Laurenz Theinert DUI)

Kurt Laurenz Theinert is een Duitse fotograaf en live optredende licht- en mediakunstenaar. Zijn 'visuele piano'-uitvoeringen zijn te zien over de hele wereld, waaronder Sao Paulo, Londen, Sydney, Berlijn, New York en Singapore. Zijn werk richt zich op visuele ervaringen die niet direct verwijzen naar afbeeldingen, maar eerder streeft naar een abstracte, reducerende esthetiek. Deze zoektocht naar meer dematerialisatie heeft hem geleid van fotografie naar licht als medium.

Met de hulp van softwareontwikkelaars Roland Blach en Philipp Rahlenbeck heeft Theinert een 'beeldinstrument' (visuele piano) gecreëerd op basis van een MIDI-toetsenbord. Hiermee vertaalt hij zijn artistieke intenties in live optredens, waarbij hij de tijd configureert met behulp van licht. Hij creëert pure visuele muziek, live, abstract en vult de ruimte met behulp van 360° panoramaprojectie.

Er bestaat geen technische link tussen geluid en beeld, waardoor een spontane dialoog ontstaat tussen hem en de muzikant. In zijn composities en improvisaties waardeert hij de statische eigenschappen van de projectieruimten en geeft de voorkeur aan ruimtelijke correlaties die in de dynamiek kunnen worden waargenomen.

30841202988_e0b0b0697e.jpg
Werff Design .jpg

16. Magic House (by Werff Design NED)

De kunstenaars van Werff Design nemen bezoekers mee op een epische reis met "Magic House." Het huis komt tot leven en transporteert bezoekers naar een totaal andere wereld, van mythisch tot mystiek, waarin deze kleurrijke lichtshow je rechtstreeks in het rijk van sprookjes trekt. De animatie is gecomponeerd met speciale muziek en geluidseffecten om de bezoekers helemaal in de juiste sfeer te brengen, zowel visueel als auditief. Wees dus voorbereid op deze betoverende reis.

Werff Design
Werff Design (www.werffdesign.com) is een ontwerpstudio gevestigd in Eindhoven, Nederland, gespecialiseerd in animatie en grafisch ontwerp. De fascinatie voor projecties begon 10 jaar geleden, waarna ze er tientallen over de hele wereld hebben gemaakt.

Sjors van der Werff - Art
Sjors studeerde animatie aan de St. Joost School of Art & Design in Breda, Nederland, waar hij zich specialiseerde in 3D-animatie. Na zijn studie werkte hij vijf jaar als freelance 3D-generalist voordat hij zijn eigen animatiestudio oprichtte (www.werffdesign.com). Sjors heeft deelgenomen aan vele projecten voor grote dans-, kunst- en lichtfestivals over de hele wereld.

Rik Koning - Audiodesign
Rik studeerde Internationale Game Architectuur & Ontwerp aan NHTV in Breda, Nederland, met specialisatie in verhalend ontwerp en productie. Hij heeft samengewerkt met Werff Design als producent, verhalend ontwerper en geluidstechnicus. (www.linkedin.com/in/rikkoning)

family idea#.jpg

4. Family idea (Ron Haselden GBR)

In opdracht van het lichtfestival Luzboa in Lissabon, Portugal, nodigde de kunstenaar kinderen uit Cova da Moura, een buitenwijk van Lissabon, uit om tekeningen van hun gezinnen te maken. De kindertekeningen van de families uit Cova da Moura dienden als basis voor een grootschalig lichtkunstwerk, gemaakt met gele flexibele lichtlijnen. Het werk werd voor het eerst geïnstalleerd in Parque Eduardo VII, in het centrum van Lissabon, als onderdeel van Luzboa Bienal Internacional da Luz. Na een kleine tour door Europa onderging het project een heropleving. In 2019 startte een nieuwe tour langs verschillende lichtfestivals, waarbij bij elk festival één lokale familie aan het kunstwerk werd toegevoegd. Hier in Essen komt ook een lokale familie bij, waardoor de familie telkens groeit wanneer het wordt tentoongesteld. De laatste toegevoegde families komen uit Koblenz, Jüchen en Essen in Duitsland, evenals uit Nederland (Arcen en Zeist). Nu wordt de eerste familie uit Denemarken gepresenteerd in Egeskov. Zo wordt het kunstwerk steeds internationaler en groter.

Ron Haselden

Ron Haselden ontving een Andrew Grant-beurs om  beeldhouwkunst te studeren aan de Edinburgh Kunstacademie (1961-1966). Hij doceerde beeldhouwkunst aan de afdeling Schone Kunsten van de Universiteit van Reading en richtte begin jaren zeventig het mixed media-gebied op. Momenteel woont en werkt hij in zowel Londen als Plouër-sur-Rance, Frankrijk. Haselden werd toegekend met de Sargant Fellowship aan de British School in Rome, Italië. Gedurende zijn carrière heeft hij tal van prijzen en subsidies ontvangen van verschillende financieringsinstanties. Zijn werk is vertegenwoordigd in vele particuliere en openbare collecties, waaronder The Arts Council of Great Britain, The Lorne Award, The Hamlyn Foundation, The Elephant Trust, The Esmée Fairbaim Foundation, The London Arts Board, The Henry Moore Foundation, The British Council, The RSA Art for Architecture Award Scheme, Alliance Française, Conseil Général Côtes d’Armor en le Fonds Régional d’Arts Contemporain (FRAC) de Bretagne, Bibliothèque nationale de France. Een aanzienlijk deel van Haselden's sculpturen heeft betrekking op licht, zoals constructies, fotografische werken en video's. Zijn driedimensionale werk varieert van kleine schalen tot grootschalige producties met maximaal 400 deelnemers in grote steden in Europa. Sommige van zijn sculpturen zijn permanent geïnstalleerd in openbare ruimtes in heel Groot-Brittannië, terwijl ander werk wordt bedacht en geïnstalleerd in galerijen of voor beperkte tijdsperioden op landelijke landschapslocaties.

Ontwerp zonder titel (7).png
bottom of page