Lichtfestival schloss Dyck
1. Candles (by Lumen in Art NED)
Der Abend beginnt langsam
In die späte Nachmittagsstunde fallen.
Feuchtigkeit in Grau und Tristesse gehüllt
treiben die Dunkelheit mit ihnen
nebelnd für den neuen Morgen
klammem Morgentau.
Langsam verbreiten die Häuser
das Zwielicht des entzündeten Lichts.
Wärme wird die Innenräume erfüllen,
von geschürten Feuern.
Brennende Kerzen spielen
ein Spiel von Schatten
und Licht.
Verbreiten Sie die stimmungsvolle Harmonie
in die Nacht.
Die ersten Schritte zu einem stimmungsvollen Abend
wo das Licht die Oberhand hat.
3. Angulus (by Peter Snijders BEL)
Jeder Draht ist eine gerade Linie, die alle 10 cm wiederholt wird. Zusammengenommen ergeben all diese Drähte einen perfekten Bogen. Jede der Linien stellt die Meinung einer Person dar. Erst wenn all diese Meinungen von den übrigen Personen berücksichtigt und bewertet werden, wird das Ergebnis die perfekte Lösung sein - weil alle Nuancen berücksichtigt werden und - wie die Bögen in der Architektur - das stärkste Fundament einer Gesellschaft bilden.
Peter Snijder (1974, Herentals - BEL) ist ein Künstler, der Licht ins Dunkle der Welt bringt. Er umarmt die Dunkelheit, um das Licht zu verstehen. Seine Lederstiefel sind mit Narben voller Symbolik gezeichnet und tragen ihn durch die Hässlichkeit des Alltags, angekettet an eine bittere Gesellschaft. Bewaffnet mit einem Hauch von schwarzem Humor, einem kritischen Blick und einer Prise Melancholie kämpft er gegen die alltägliche Realität und verwandelt die Welt, wie wir sie kennen, in ein eigenes Universum. Inspiriert von der vereinfachten gotischen Architektur, der Liturgie und dessen Erbe, sind seine Leuchtobjekte wie ein Wegweiser. Eine Art Perspektive voller mystischer Schönheit, mit Raum für eine leidenschaftliche Naivität. Ein Ruhepunkt, an dem man träumen kann, während man die Einöde überblickt, an dem man zu Verständnis kommt und Perspektiven aufnimmt. Seelenberuhigende Philosophie. Spektrale Tiefe. Die Installationen schimmern in einem sanften blauen oder grünen Licht, gekrönt von roten Details auf schwarzem Grund. Seine detaillierte und feine Fingerarbeit verleiht den Skulpturen eine sanfte Persönlichkeit. Aber das ist nur ein erster Eindruck, es scheint eine Illusion zu sein, aber wenn man tiefer gräbt, enthüllt das Werk seine Schichten. Es verblüfft und plötzlich ist es beängstigend. Es enthält Bedauern, Stille, Romantik... eine alte Seele. Es umarmt Zweifel, Angst und Wut. Aber immer mit einem gemeinsamen Ziel: Ein fertiges Kunstwerk ist niemals nur ein Objekt, nein, man muss seine Seele seufzen hören.
2. Orangerie in Bewegung (by Dynamic NED)
In diesem Jahr wird die Halbinsel der Orangerie zum Schauplatz einer beeindruckenden Lichtshow. Die unmittelbare Umgebung der Orangerie ist das Herzstück des wunderschönen Englischen Landschaftsparks von Schloss Dyck. Aus diesem Grund gebührt ihm auch die Hauptrolle im diesjährigen Lichtfestival.
Wir entführen Sie in die Schönheit der Halbinsel mit ihrer herrlichen Natur, wo die Besucher nach einem Spaziergang einen Moment der Ruhe und Erholung finden.
Das Team von Dynamic, image & light & sound aus Venlo, ist ein fester Bestandteil des Lumen in Art-Teams und reist mit der internationalen Tour; Europe Tour Light Castles Festivals. In diesem Jahr ist Dynamic für das Design und die Produktion der Lichtshow auf der Orangerie-Halbinsel verantwortlich.
5. Spinning Wheel (Jesper Bogaard DEN)
In Zusammenarbeit mit dem Tinderbox Festival in Odense wurde dieses Projekt entwickelt. Es ist ein großes Spinnrad mit einem Durchmesser von 6 Metern. Dieses wird so aufgehängt, dass über den Besuchern ein großer Bildschirm entsteht. Dieser Bildschirm ist hypnotisch, wenn man darunter steht. Es ist das erste Mal, dass Jesper auch mit seinem Sohn Asbjørn zusammenarbeitet. Asbjørn ist für die Codierung und den visuellen Ausdruck verantwortlich.
Jesper Waaben Bogaard wurde 1978 in Odense, Dänemark, geboren.
Er studierte an der Fakultät für Kunst und Handwerk und arbeitete als Jugendlicher an Filmsets in London. Jesper ist der Sohn eines Ingenieurs und hat seit seiner Kindheit gebaut. Seit 2002 beschäftigt er sich mit Kunst und Design und stellt skulpturale Lampen aus Bäumen her.
Für Jesper ist es die Zähmung der rohen, chaotischen Kreativität und ein Spielplatz, auf dem Licht und Bewegung ein integraler Bestandteil des Prozesses sind. Die künstlerische Technik basiert auf einer grundlegenden Forschung an der Schnittstelle von Material und Philosophie. Licht, Skulptur und Bewegung sind die Schlüsselwörter für Jesper, und auch wenn eine Installation statisch aufgebaut sein kann, ist der Prozess immer dynamisch. Spielerische Gedankenexperimente, destilliert in konkrete visuelle Ergebnisse, beschreiben seine eindrucksvolle Kunst.
6. Dresses (by Kim Tae Gon KOR)
"Ich will der andere sein, ich will, dass er ich ist, als wären wir vereint, eingeschlossen in denselben Hautsack, wobei das Kleidungsstück nur die glatte Hülle dieser zusammenfließenden Materie ist, aus der meine Liebesvorstellungen gemacht sind."
(Roland Barthes: Fragment eines Liebesdiskurses)
Sobald ich mich für diesen Text über die Liebesbeziehung interessiert hatte, wollte ich dieses Projekt verwirklichen. Wenn wir jemanden tief lieben, kommt es vor, dass wir uns wünschen, er oder sie zu sein, mit ihm oder ihr zu verschmelzen. Diese Arbeit bringt uns also dazu, uns vorzustellen, dass wir zu denen werden, die wir lieben. Die Kleider aus Glasfaser sind so gestaltet, dass sie mehreren Personen Platz bieten. Die Form des Kleidungsstücks selbst bewahrt und bezeugt die Spuren einer Beziehung und lädt gleichzeitig dazu ein, an dieser Beziehung teilzunehmen, indem man es selbst anprobiert. Das Objekt lädt somit zur verliebten Intimität derer ein, die es bewohnen.
Seine Formen stimmen mit den unseren überein, umarmen uns. Ein Bild, ein mögliches Spiegelbild dessen, was wir werden wollen, wird von drei Videoprojektoren auf die Kleider projiziert. Die Kleider und ihr Material transportieren uns in das Innere des Bildes, als wären wir mit unseren Wünschen bekleidet. Dieser Schmuck aus Bildern ist dazu bestimmt, sich nach unseren Wünschen zu entwickeln. Wenn man die Reflexionen der Bilder betrachtet, hat man das Gefühl, dass jedes der ausgestellten Kleider selbst seine Geschichte erzählt... Seit mir diese Idee durch den Kopf gegangen ist, wollte ich eine Arbeit über diese Kleider schaffen. Da jedes Kleid seine eigene Geschichte hat, möchte ich drei Kleider zusammen aufstellen.
Diese Kleider erzählen durch die verschiedenen verwendeten Bilder unterschiedliche Geschichten. In meiner Arbeit wird jedes Glasfaserkleid von verschiedenen farbigen Lichtern beleuchtet, die ihre unterschiedlichen Geschichten repräsentieren, und diese Lichter werden sich sehr langsam verändern, als ob jedes Kleid seine eigene Geschichte erzählen würde und diese Geschichte sich mit der Zeit entwickelt. Wenn die Kleider so zusammengesetzt werden, leuchten sie umso mehr.
Tae Gon Kim ist ein Künstler aus Südkorea, der in Straßburg und Seoul studierte und in Frankreich lebt. Seine Arbeiten wurden in der Vergangenheit mit zahlreichen internationalen Preisen renommiert. Als Zeichner und Designer übersetzt Tae Gon Kim Emotionen in technische Aussagen.
7. Komposition aus Formen und Klang (by Wavelight NED)
Diese Lichtinstallation lädt Sie ein, sich von der harmonischen Verschmelzung abstrakter Formen und Objekte inspirieren zu lassen. Treten Sie ein in eine zauberhafte Welt, in der Musik und Lichtprojektionen nahtlos ineinander übergehen.
Die Installation ist so konzipiert, dass sie Ihre Sinne anregt und Sie auf eine visuelle und auditive Reise mitnimmt. Jede abstrakte Form ist so platziert, dass sie mit den Lichtprojektionen und dem begleitenden Sound sinnvoll interagiert. Zusammen bilden sie eine dynamische Choreografie, welche die Emotionen des Betrachters anregt und die Fantasie beflügelt.
Die Lichtprojektionen spielen mit Farbe, Intensität und Bewegung. Sie verwandeln die Umgebung und schaffen ein lebendiges Spektakel aus Licht und Schatten. Die Projektionen heben die Konturen und Merkmale der abstrakten Formen und Objekte hervor und schaffen ein Zusammenspiel visueller Elemente.
Der Klang, der nahtlos in die Installation integriert ist, verstärkt das hypnotische Erlebnis. Die rhythmischen Melodien und harmonischen Töne verschmelzen mit den Lichtprojektionen und schaffen ein synthetisches Erlebnis. Die Klänge füllen den Raum und schwingen mit den Emotionen, die durch die visuelle Pracht hervorgerufen werden und schaffen ein unvergessliches Erlebnis.
Als neugierige Bildgestalter umarmt Wavelight das Unbekannte. Die jungen Bildgestalter lassen sich von Zufällen überraschen und entdecken so etwas Neues. Für Wavelight geht es bei der Kunst um mehr als nur visuelle Ästhetik. Sie streben danach, eine emotionale und sensorische Erfahrung zu schaffen, die das Publikum einlädt, zu reflektieren und sich im Moment zu verlieren. Durch die Kombination von Licht, Klang und Bewegung entführen sie das Publikum in neue Welten und ermutigen es, seine Umgebung mit anderen Augen zu betrachten.
Der Entstehungsprozess ist ein integraler Bestandteil der Arbeit. Sie sehen jedes Projekt als eine abenteuerliche Entdeckungsreise. Bei jedem neuen Kunstwerk beginnen sie mit einer konzeptionellen Idee und lassen sich dann vom Experimentieren leiten. Dann kreieren sie gleichzeitig die visuellen und akustischen Elemente des Werks und stellen sicher, dass sich Musik und Bild gegenseitig verstärken. Dies erfordert eine sorgfältige Zusammenarbeit zwischen den beiden Künstlern, um ihre kreativen Prozesse aufeinander abzustimmen. Das Ergebnis sind einzigartige und organische Kunstwerke, die den Charakter des Raums, in dem sie ausgestellt werden, widerspiegeln.
8. The Nectary (by Alison Smith GBR)
Das Konzept basiert auf den Geräuschkulissen, die von fast unsichtbaren Insekten erzeugt werden, wenn sie durch Blumen mit unterschiedlichem Blütenreichtum fliegen. Drei der Geräuschkulissen, die dem geringen, mittleren und hohen Blütenreichtum entsprechen, werden über Lautsprecher abgespielt, die in die verschiedenen Blumen eingelassen sind. Die Klanglandschaften lassen die Besucher die Bestäubung auf eine ganz neue Weise erleben. Während sich die Besucher von einer Blume zur anderen bewegen, ahmen sie die Bewegung der bestäubenden Insekten auf der Blumenwiese nach. Die Blumen werden aus recycelten Kunststoffabfällen hergestellt.
Alison Smith ist eine in Leeds ansässige Künstlerin, Macherin und Pädagogin. Smith schafft Lichtskulpturen und immersive Lichtinstallationen, wobei sie häufig programmierte LED-Beleuchtung verwendet, um animierte Lichtlandschaften zu schaffen. Smith arbeitet mit textilen Verfahren, um mehrschichtige, strukturierte Oberflächen zu schaffen und verwendet hauptsächlich recycelte Materialien, insbesondere Kunststoffverpackungen. Organische Formen und Texturen, Beziehungen zwischen dem Synthetischen und dem Natürlichen, Lebenszyklen und Wertvorstellungen sind zentrale Themen. Smith platziert ihre Werke oft im Freien in natürlicher Umgebung. Die Herstellung und die haptischen Prozesse stehen im Mittelpunkt von Smiths Praxis. Zudem mischt sie oftmals traditionelle Handwerksprozesse, die sie während ihrer Kindheit in den ländlichen Yorkshire Dales gelernt hat, neu und erweitert diese.
Hierbei stehen ökologische Erzählungen im Mittelpunkt von Smiths Praxis und sie arbeitet häufig mit Wissenschaftlern zusammen, um Werke zu schaffen, die sich mit der Zerstörung von Korallenriffen und dem Rückgang von Insektenpopulationen befassen. Die jüngste Installation Climate Canopy, die auf der COP26 ausgestellt wurde, ist in Zusammenarbeit mit dem National Centre for Atmospheric Science entwickelt worden und interpretiert 170 Jahre Klimadaten als immersive Lichtskulptur. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Smith Engagement Curator am Henry Moore Institute in Leeds, wo sie Programme entwickelt und durchführt, um das Publikum mit zeitgenössischer Skulptur in Kontakt zu bringen.
9. Future Visions (by Werff Design NED)
Future Visions lädt die Besucher dazu ein, die Beziehung zwischen künstlicher Intelligenz und moderner Technologie zu erkunden. Durch den Einsatz von Projektion-Mapping werden die Besucher in eine Welt gezogen, in der Maschinen und Algorithmen integraler Bestandteil unseres täglichen Lebens sind. Die Installation soll die Besucher dazu bringen, über die Art und Weise nachzudenken, in der KI und Technologie die Welt um uns herum formen, und sich die Möglichkeiten vorzustellen, die in der Zukunft liegen. Die Besucher werden mit einer dynamischen Präsentation von Bildern und Klängen verwöhnt, die das Potenzial der Technologie verdeutlichen. Es ist ein anregendes und immersives Erlebnis, welches einen Blick in die Zukunft der Beziehung zwischen Mensch und Technologie ermöglicht.
Werff Design (www.werffdesign.com) ist ein Designstudio mit Sitz in Eindhoven, Niederlande, das sich auf Animation und Grafikdesign spezialisiert hat. Die Faszination für Projektionen begann vor 10 Jahren. Seitdem haben sie Dutzende von Projektionen auf der ganzen Welt realisiert. Sjors van der Werff – Kunst studierte Animation an der St. Joost School of Art & Design in Breda (Niederlande), wo er sich auf 3D-Animation spezialisierte. Nach seinem Studium arbeitete er fünf Jahre als Freelancer 3D-Generalist, bevor er sein eigenes Animationsstudio gründete. Sjors hat an vielen Projekten für große Tanz-, Kunst- und Lichtfestivals auf der ganzen der Welt teilgenommen.
10. Firefly Field (by Studio Toer NED)
Firefly Field ist eine hypnotisierende Lichtinstallation aus zahlreichen fliegenden Lichtpunkten, welche die Bewegungen dieser nachtaktiven Lampyridae simulieren. Glühend, pfeifend, über dem Boden schwebend. Die sich ständig verändernde Biolumineszenz jedes einzelnen Tieres wird im grasbewachsenen Hang reflektiert. In der Masse erzeugen sie eine dynamische Lichtszene, die die Neugierde und das Staunen der Besucher wecken. Mit Firefly Field teilen wir unsere Faszination für die Ästhetik und Bewegung dieser winzigen geflügelten Kreaturen und ihr Interesse an der Art und Weise, wie dynamisch bewegtes Licht eine Stimmung ausdrücken kann. Dieses minimalistische Arrangement besteht aus speziell entwickelten LED-Lichtpunkten, die in der Luft zu schweben scheinen. Ihre einzigartige dynamische Zusammensetzung verleiht jedem Glühwürmchen seine unvorhersehbare und natürliche Bewegung.
Toer ist ein multidisziplinäres Designstudio aus den Niederlanden, das 2011 von Castor Bours und Wouter Widdershoven gegründet wurde. Das Studio Toer zeichnet sich durch einen stark forschenden und experimentellen Ansatz aus und verschiebt sowohl die technischen als auch die ästhetischen Grenzen des Designs in einem breiten Spektrum der angewandten Kunst. Von Lichtinstallationen und Objekten bis hin zu interaktiven Erlebnissen und innovativen Produkten. Das Studio Toer hat mit Projekten wie "Cumulus", einem autonomen Sonnenschirm, der sich mit Hilfe von Solarenergie zu einer wolkenähnlichen Form aufbläst, weltweit Aufmerksamkeit erregt. "Fiet", eine kinetische Lichtskulptur, die auf Veränderungen in ihrer Umgebung reagiert, und "Shaped by Time", eine Uhr, die sich mit der Zeit selbst formt, sind weitere bekannte Skulpturen. Toers interaktive Installationen wurden auf zahlreichen internationalen Festivals präsentiert und sind weltweit zu sehen.
11. Chrystal Rocks (by Jesper Boogaard DEN)
Das Kunstwerk Crystals Rocks ist ein Kommentar zu der Welt, aus der Kristalle stammen, oder zu ihrer Verwendung in unserem täglichen Leben. Kristalle sind eine besondere Art von festem Material, bei dem die Moleküle in einem sich wiederholenden Muster zusammenpassen. Dieses Muster führt dazu, dass das Material alle möglichen einzigartigen Formen bilden kann.
Wahrscheinlich denken wir nicht oft darüber nach, dass wir Kristalle in unserem täglichen Leben verwenden und uns mit ihnen umgeben: in unseren Lebensmitteln, unserer Elektronik, unseren Kosmetika, unserem Schmuck und vielem mehr. Manche Menschen glauben gar, dass Kristalle verschiedene heilende Eigenschaften haben - und ob im übertragenen Sinne oder nicht, Kristalle werden als Prisma in einem Laser für Augen-Operationen verwendet. Kristalle werden sowohl in der Natur als auch in künstlicher Form von Menschenhand geschaffen. Crystal Rocks zelebriert die faszinierenden Eigenschaften der Natur und die Art und Weise, wie sie Geheimnisse und Veränderungen in einer Welt schaffen, die wir leicht als selbstverständlich ansehen.
Jesper Waaben Bogaard wurde 1978 in Odense, Dänemark, geboren. Er studierte an der Fakultät für Kunst und Handwerk und arbeitete als Jugendlicher an Filmsets in London. Jesper ist der Sohn eines Ingenieurs und hat seit seiner Kindheit gebaut. Seit 2002 beschäftigt er sich mit Kunst und Design und stellt skulpturale Lampen aus Bäumen her.
Für Jesper ist es die Zähmung der rohen, chaotischen Kreativität und ein Spielplatz, auf dem Licht und Bewegung ein integraler Bestandteil des Prozesses sind. Die künstlerische Technik basiert auf einer grundlegenden Forschung an der Schnittstelle von Material und Philosophie. Licht, Skulptur und Bewegung sind die Schlüsselwörter für Jesper, und auch wenn eine Installation statisch aufgebaut sein kann, ist der Prozess immer dynamisch. Spielerische Gedankenexperimente, destilliert in konkrete visuelle Ergebnisse, beschreiben seine eindrucksvolle Kunst.
12. Walk through the Canvas 2.0 (by Social Skills NED)
Durchgehende Projektionen verwandeln die Natur in ein großes Gemälde. Die wunderschöne natürliche Umgebung mit ihren Bäumen, Baumstümpfen und Wegen ist eine willige Leinwand, auf der die Künstlerin ihr Gemälde ausstellt. In dem Moment, wo die Besucher die Leinwand betreten, werden sie selbst Teil des Gemäldes. So sieht das Bild nie gleich aus und ist ständig in Bewegung.
Social Skills & Events steht für Kreativität im weitesten Sinne. Die Arbeit mit Menschen und ihren Geschichten ist ihre Inspiration. Bilder verleihen einer Geschichte mehr Kraft. Das Hauptziel von Social skills & events ist es, die Geschichte hinter einer Person oder Objekt in Bildern darzustellen. Das dynamische Bild spiegelt die verschiedenen Geschichten und Aspekte von Menschen wider und bezieht die Menschen in ihre eigene Geschichte mit ein.
13. Lichtlines (by Studio Sensito INT)
Die Installation besteht aus Drähten, die zwischen verschiedenen Bäumen installiert sind und UV-Licht beleuchtet diese Schnüre. Eine undefinierte neue Struktur wird geschaffen. Die Formen der Drähte verändern die natürliche Gestalt des Englischen Landschaftsparks grundlegend. Wenn die Besucher sich dem Kunstwerk nähern, verändern sich die architektonischen Eingriffe und sie entdecken die echten Materialien, welche die Künstler für ihr Projekt verwendet haben.
Das internationale Künstlerkollektiv beschäftigt sich mit ausgefeilten Lichttechniken. In einer sich ständig verändernden Komposition gelingt es ihnen, immer wieder zu überraschen. Der Name Studio Sensito hat seinen Ursprung in der Sensitometrie. Sensitometrie ist die Untersuchung des Verhältnisses zwischen der Belichtung eines Films und der Schwärze, die nach der Entwicklung entsteht. Lichtempfindliche Objekte spielen dabei die Hauptrolle. Als Betrachter wird man buchstäblich in das Kunstwerk einbezogen. Die Werke dieses Künstlerkollektivs sind in mehreren Ländern zu sehen, sie sind Teil der European Tour Light Castle Festivals.
14. the Indestructible Reef (by Alison Smith GBR)
Die Arbeiten von Alison Smith haben eine Art organische Form oder zumindest eine ökologische Geschichte. Sie interessiert sich für die Beziehung zwischen Synthetik und Natur und da die Gesellschaft weiterhin Einwegplastik verwendet und diese in unseren Ökosystemen verloren geht und abgebaut wird, greift Smith das Thema explizit in ihren Arbeiten auf. Das unzerstörbare Riff besteht aus Abfall, das zu einem skulpturalen Riff zusammengefügt wurde.
Alison Smith ist eine in Leeds ansässige Künstlerin, Macherin und Pädagogin. Smith schafft Lichtskulpturen und immersive Lichtinstallationen, wobei sie häufig program-mierte LED-Beleuchtung verwendet, um animierte Lichtlandschaften zu schaffen. Smith arbeitet mit textilen Verfahren, um mehrschichtige, strukturierte Oberflächen zu schaffen und verwendet hauptsächlich recycelte Materialien, insbesondere Kunststoffverpackungen. Organische Formen und Texturen, Beziehungen zwischen dem Synthetischen und dem Natürlichen, Lebenszyklen und Wertvorstellungen sind zentrale Themen. Smith platziert ihre Werke oft im Freien in natürlicher Umgebung. Die Herstellung und die haptischen Prozesse stehen im Mittelpunkt von Smiths Praxis. Zudem mischt sie oftmals traditionelle Handwerksprozesse, die sie während ihrer Kindheit in den ländlichen Yorkshire Dales gelernt hat, neu und erweitert diese.
Hierbei stehen ökologische Erzählungen im Mittelpunkt von Smiths Praxis und sie arbeitet häufig mit Wissenschaftlern zusammen, um Werke zu schaffen, die sich mit der Zer-störung von Korallenriffen und dem Rückgang von Insektenpopulationen befassen. Die jüngste Installation Climate Canopy, die auf der COP26 ausgestellt wurde, ist in Zusammenarbeit mit dem National Centre for Atmospheric Science entwickelt worden und interpretiert 170 Jahre Klimadaten als immersive Lichtskulptur.
Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Smith Engagement Curator am Henry Moore Institute in Leeds, wo sie Programme entwickelt und durchführt, um das Publikum mit zeitgenössi-scher Skulptur in Kontakt zu bringen.
15. Vertonte Gemälde (by Wavelight NED)
Das Lichtkunstwerk vereint eine Reihe von Gemälden großer Meister in einer dynamischen und sich entwickelnden Komposition. Das Wesen besteht darin, den Betrachter zum Nachdenken über die Schönheit und tiefe Bedeutung dieser historischen Werke anzuregen. Während die Gemälde ineinander übergehen und sich verwandeln, wird der Betrachter eingeladen, die reiche Geschichte zu bewundern, die diese Kunstwerke umgibt. Das Werk ist nicht nur ein visuelles Spektakel, sondern auch eine bewegende Erfahrung, die Kunstliebhaber und neugierige Betrachter gleichermaßen begeistern wird. Sie erwecken die Kunstwerke zum Leben und lassen die Besucher mit einer neuen Wertschätzung für die zeitlose Schönheit und die kraftvollen Geschichten, die diese Gemälde zu bieten haben, zurück.
Als neugierige Bildgestalter umarmt Wavelight das Unbekannte. Die jungen Bildgestalter lassen sich von Zufällen überraschen und entdecken so etwas Neues. Für Wavelight geht es bei der Kunst um mehr als nur visuelle Ästhetik. Sie streben danach, eine emotionale und sensorische Erfahrung zu schaffen, die das Publikum einlädt, zu reflektieren und sich im Moment zu verlieren. Durch die Kombination von Licht, Klang und Bewegung entführen sie das Publikum in neue Welten und ermutigen es, seine Umgebung mit anderen Augen zu betrachten.
Der Entstehungsprozess ist ein integraler Bestandteil der Arbeit. Sie sehen jedes Projekt als eine abenteuerliche Entdeckungsreise. Bei jedem neuen Kunstwerk beginnen sie mit einer konzeptionellen Idee und lassen sich dann vom Experimentieren leiten. Dann kreieren sie gleichzeitig die visuellen und akustischen Elemente des Werks und stellen sicher, dass sich Musik und Bild gegenseitig verstärken. Dies erfordert eine sorgfältige Zusammenarbeit zwischen den beiden Künstlern, um ihre kreativen Prozesse aufeinander abzustimmen. Das Ergebnis sind einzigartige und organische Kunstwerke, die den Charakter des Raums, in dem sie ausgestellt werden, widerspiegeln.
4. Hybrid Roots (by Edwyn Glint USA)
Hybrid Roots ist das neueste Werk des amerikanischen Künstlers Edwyn Glint. Die Wurzeln der Bäume sind größtenteils unterirdisch. Das Netzwerk dieser Wurzeln ist von Natur aus einzigartig. Es ist die Lebensader des Baumes. Die gesamte Nahrung und das Wasser des Baumes kommen durch diese Wurzeln und inspirierten den Künstler Edwyn Glint ob dieser Schönheit zur Schaffung dieses Werkes.
Die Wurzelstruktur wird umgekehrt: Statt die Wurzeln nach unten zu führen, wurden diese vertikal gespiegelt. Durch das Licht wird gezeigt, was unter der Erde vor sich geht.
Edwyn war schon immer fasziniert von den wunderschönen Farben des Herbstes, der Flora und Fauna in der Umgebung seines Elternhauses in Hammondsport, Steuben County, NY. Sein Vater, der als Ingenieur in der örtlichen Lampenfabrik arbeitete, trug dazu bei, dass Edwyns Interesse an der Lichtkunst wuchs und sich entwickelte.
In seinen Arbeiten versucht er, die Schönheit der Natur und ihre Formen mit dem sich ständig ausbreitenden künstlichen Lebensraum zu verbinden, an den wir uns heute gewöhnt haben. Die Dualität und Symbiose der beiden Gegensätze veranschaulichen den ständigen Wandel der Umwelt und wie wir als Menschen darin entwickeln.
